Конспект для 5 класса: М.И. Глинка (1804-1856).

М.И. Глинка – основоположник русской классической музыки (как А.С.Пушкин в русской литературе).

Основные произведения:

• 2 оперы «Иван Сусанин», «Руслан и Людмила».
• Музыка к трагедии Кукольника «Князь Холмский».
• 80 произведений: песни, романсы, арии.
• Симфонические произведения: испанские увертюры «Арагонская хота», «Ночь в Мадриде»; фантазии «Камаринская», «Вальс-фантазия».
• Инструментальные ансамбли.
• Фортепианные произведения: мазурки, вариации, ноктюрны.

Истоки музыки М.И.Глинки уводят в русское народное твочество: любовь к Родине, ее народу, к русской природе.

Глинка родился в семье отставного капитана, в селе Новосспаское Смоленской губернии. Мишенька был слабым, болезненным ребенком. Его воспитанием занималась его бабушка. Яркие впечатления остались от русских песен и сказок его няни Авдотьи Ивановны.

Спасаясь от нашествия Наполеоновской армии, в 1812 году семья Глинки покинула имение. Оно было разрушено. Мальчик навсегда проникся любовью и уважением к русскому народу, его могучей силы и душевной красоты.

В 13 лет Глинку отдали учиться в Петербурге в Благородный институт при Главном педагогическом институте. Изучает: иностранные языки, географию, зоологию, музыку.

По окончании, работает в канцелярии Главного управления путей сообщения. В эти годы общается с Мицкевичем, Грибоедовым, Керн. В 1828 году против воли отца Глинка оставил службу, чтобы полностью посвятить себя творчеству.

В 1830 году едет поправить здоровье за границу. Побывал в Варшаве, в Германии, Италии. Занимается пением, берет уроки теории у Зигфрида Дена. Вернувшись в Россию стал сочинять оперу о патриотическом подвиге крестьянина Ивана Сусанина.

3 года Глинка проработал капельмейстером в Придворной капелле.

В 1836 г. создает оперу «Руслан и Людмила». Глинка мечтал что-бы либретто написал Пушкин, но его смерть помешала этому. Глинка сам пишет либретто, и ему помогает поэт-любитель В.Ширков. В это время знакомится с дочерью А.П.Керн, Екатериной Ермолаевной (ей посвящает «Вальс-фантазия», и романс «Я помню чудное мгновенье»).

В 1844 году едет за границу, чтобы «забыть о своем горе», его отношения с Е.Е.Керн не получили дальнейшего развития. Посетил Францию, Испанию, где знакомится с П.Мориме, Д.Обером, В Гюго, Г.Берлиозом. В это время пишет увертюру «Арагонская хота» (хота – испанский народный танец, распространенный в провинции Арагон).

Возвращаясь в Петербург, по настоянию своей сестры Людмилы Ивановны Шестаковой Глинка начинает работать над автобиографическими «Записками».

В 1856 году Глинка сильно простудился. Грипп вызвал обострение болезни печени, и 3 февраля Глинки не стало. Похоронен в г. Петербурге.

М.И.ГЛИНКА - ОПЕРА «ИВАН СУСАНИН»

Предложил написать оперу Глинке поэт Жуковский.

Жанр. Опера «Иван Сусанин» - первая русская классическая историко-патриотическая трагедийная опера, основанная на непрерывном музыкальном развитии, без разговорных вставок.

История создания. Сюжет. Сюжетом послужило предание о героическом подвиге костромского крестьянина Ивана Сусанина в 1612 году, в трудное время оккупации иностранными захватчиками. Польские войска уже были изгнаны из Москвы, но отдельные их отряды еще бродили по стране. Один из таких отрядов забрел в село Домнино, где жил Иван Сусанин со своей семьей. Сусанин согласился стать проводником, но завел поляков в непроходимые дебри и сам погиб.

Либретто составил барон Розен.

Герои: Иван Сусанин – (бас) – главный герой

Антонида - (сопрано) – дочь Сусанина

Сабинин - (тенор) – жених Антониды

Ваня - (альт) – приемный сын Сусанина

Композиция оперы.

Увертюра, 4 действия, эпилог (т.е. завершение, итог).

Экспозиция (показ образов) –

I действие – русский народ

II действие – польский народ

Развязка и завязка сюжета -

III действие – Сусанин уводит поляков в лес

Кульминация -

IV действие – гибель Сусанина

Драматургия оперы.

Сопоставление 2-х сфер: русская и польская. Русская – главная, она показана композитором во всем многообразии душевных и духовных качеств человека. Она поднята до уровня трагедийности, благодаря идее любви к Отечеству и вся пронизана русской песенностью. Ей противостоит польская сфера (II действие: мазурка, полонез, краковяк, вальс).

I ДЕЙСТВИЕ- происходит в селе Домнино, где живет Иван Сусанин с семьей. Дочь Антонида ждет возращение своего жениха – ратника Сабинина, который защищает Родину от врагов. Девушка мечтает о свадьбе. С отрядом ратников прибывает Сабинин, который рассказывает об успехах русского ополчения. Иван Сусанин благословляет Сабинина и Антониду.

1. Опера начинается с Увертюры. Этот раздел оперы показывает русский народ как главную движущую силу и выражает идею оперы – любовь русского народа к своей Родине. Поет 2 хора: мужской и женский.

2. Каватина и рондо Антониды– раскрывает типичные черты русской девушки – нежность, простота, доброта. Мелодия каватины – задумчивая. Рондо – светлый и оживленный характер.

3. Трио «Не томи родимый» начинает Сабинин, подхватывает Антонида, затем вступает Сусанин. Мелодия построена на интонациях городских бытовых песен.

II ДЕЙСТВИЕ – называют «польским актом». Бал в зале польского короля Сигизмунда. Поляки хвастают своими победами и уверены в скором завоевании Руси. Но появляется гонец, он сообщает о тяжелом положении польского войска, и том, что Минин и Пожарский собирают ополчение, чтобы окончательно разгромить врага. Тут же создает план нового вторжения. 4 танца: полонез, краковяк, вальс и мазурка образуют симфоническую сюиту.

4. Полонез - польский народный танец

5. Краковяк – польский народный танец

6. Вальс - австрийский танец

7. Мазурка – польский народный танец

III ДЕЙСТВИЕ – происходит в доме Сусанина, где готовятся к свадьбе Антониды и Сабинина. Внезапно появляются поляки, они требуют чтобы Сусанин указал им дорогу на Москву. Сусанин украдкой посылает Ваню предупредить русские отряды об опасности, сам же решает завести поляков в непроходимую лесную глушь. Приходят подружки Антониды. Они находят ее в слезах т. к. Антонида опасается за жизнь отца. Появляется Сабинин, который вместе с крестьянами решает идти на поиски Сусанина и польского отряда.

8. Песня Вани «Как мать убили» - это музыкальная характеристика мальчика-сироты. Простая, задушевная мелодия лежит в основе песни.

9. Свадебный хор «Разгулялися, разливалися воды вешние по лугам» - мелодия близка русским свадебным величальным песням.

10. Песня-романс Антониды «Не о том скорблю, подруженьки» - раскрывает всю глубину горя Антониды и показывает богатство ее душевного мира.

IV ДЕЙСТВИЕ

Сабинин со своими людьми пробираются по лесу. Разыскивая следы.

Ворота монастыря, где находятся ополченцы, прибегает Ваня и сообщает о польском отряде. Воины выступают.

Ночь. Лес. Холод. Здесь поляки и Сусанин. Поляки засыпают, но позже понимают, что Сусанин умышленно завел их сюда, и убивают его.

11. Ария Сусанина «Взойдет заря». Именно в этой арии до конца раскрывается образ Сусанина как героя и патриота. Сусанин предчувствует скорую гибель, вспоминает своих детей, мысленно прощается с ними и готовится к смерти.

Эпилог - (от греческого заключение)- это картина дополняющая основное действие.

В Москве на Красной площади народ празднует победу над врагом. Появляется Антонида, Сабинин, Ваня, и рассказывают о трагической гибели Сусанина.

12. Хор «Славься!» - заключение, славит родную землю и погибших героев.

СИМФОНИЧЕСКОЕ ТВОРЧЕСТВО М.И.ГЛИНКИ

Фантазия «Камаринская»

Это вариации на темы 2 русских народных песен.

1 тема – свадебная «Из-за гор, гор высоких». Повествует о белой лебедушке – невесте, которую клюют щиплют серые гуси – недобрая женихова родня. Мелодия напевная. плавная, задумчивая.

2 тема – удалая русская плясовая «Камаринская».

«Вальс-фантазия»

Фантазия – (от греческого воображение) – музыкальная пьеса в свободной форме. Первоначально это была небольшая фортепианная пьеса, позднее расширена и оркестрована.

В основе лежит минорная задушевная, ласковая тема. Благодаря низходящей тритоновой интонации эта тема звучит порывисто и напряженно. Главная тема повторяясь несколько раз, чередуется со светлыми эпизодами образует форму рондо.

ВОКАЛЬНОЕ ТВОРЧЕСТВО М.И. ГЛИНКИ.

Глинка написал более 70 романсов. В них отразились чувства самого композитора: любовь и ревность, разочарование, восторг, разлука.

Среди романсов и песен Глинки можно встретить разные жанры: элегия – «Не искушай» на слова Баратынского, «Сомнение» сл. Кукольника; серенада – «Я здесь, Инезилья», «Ночной зефир» ( поэтическая картина); марш – «Рыцарский романс»; баркаролла – «Уснули голубые»; каватина – «Давно ли роскошно, ты розой цвела»; застольная песня – «Прощальная песня».

1.«Я помню чудное мгновенье» - романс на слова А.С.Пушкина. Имеет 3-х частную форму, которая соответствует содержанию стихотворения, отражая 3 момента душевного содержания: первая встреча, разлука и радость вновь наступившего свидания.

2.«Попутная песня» на слова Кукольника. Глинка первым передал в музыке впечатления от поездки по железной дороге.

3.«Сомнение» на слова Кукольника. В романсе говорится о борьбе чувств в душе человека.

4. «Жаворонок» на слова Кукольника. Это пример жанра «народной песни», где рисуется образ русской природы.

Конспект для 4 класса: Старинная музыка.

Значение античной музыки, как и в других видов искусств Древней Греции, трудно переоценить.

Музыка занимала большое место в общественной жизни Древней Греции. Она сопровождала праздники, звучала на театральных представлениях, помогала людям трудиться. Многие греки умели петь, играть на струнных инструментах – лире и кифаре.

Об этом рассказывают нам поэмы Гомера «Илиада» и «Одиссея», изображения музыкантов на греческих вазах, росписи богатых гробниц. От музыки древних греков до нас дошли отдельные немногочисленные фрагменты. Это погребальная и лирическая песня, 12 строк пеана — гимна радости в честь бога Аполлона, покровителя искусств.

Греки были хорошими танцорами, водили плавные хороводы, знали быстрые танцы с прыжками. Многие фигуры танцев воспроизводили движения гимнастов, воинов, работающих людей. Пляски обычно сопровождались игрой на духовом инструментов — авлосе. Торжественные сказания исполняли профессиональные певцы — аэды и рапсоды. С течением времени развивается хоровая, сольная лирика, трагедия, комедия, инструментальная музыка. Эти виды искусства включались в Пифийские игры, на которых наряду с атлетами выступали поэты, певцы, музыканты. Победителей награждали лавровыми венками.

Высоким достижением культуры античности стала трагедия, от которой тянутся нити к европейскому драматическому и музыкальному театру. Древнегреческая трагедия, соединившая в себе драму, танец и музыку, возникла на основе дифирамба (гимна) в честь бога виноградства и виноделия Диониса. Поначалу праздник связывался с культом плодородия, участники дионисий изображали козлоногих сатиров, ряженные сопровождали «бога» шумной толпой, они пели, плясали, играли на музыкальных инструментах. Такие карнавалы с главным номером — дифирамбом — превратились в трагедии. В творчестве Эсхила, Софокла, Еврипида они приобрели большое общественное значение, так как в них затрагивались многие жизненно важные вопросы. Разыгрывались трагедии в театрах, вмещавших до 40000 человек. Партии хора чередовались с партиями актеров. Авторы обычно сами писали музыку.

Значение античной музыки, как и других видов искусств Древней Греции, трудно переоценить. До сих пор музыканты пользуются многими понятиями и терминами, ведущими своё происхождение от греческой теории музыки: «мелодия», «музыка», «гармония», «ритм», «гамма», названиями некоторых музыкальных ладов.

Античные мифы, предания, трагедии в течение многих веков были источником вдохновения для композиторов. Сюжеты первых опер основаны на греческих мифах, и с тех пор композиторы не раз возращались к поэтическим преданиям древнегреческого народа. Миф о певце Орфее, чье пение заставляло плакать камни, усмиряло диких зверей и даже помогло ему проникнуть в «царство мертвых», лег в основу оперы К.В.Глюка, симфонической поэмы Ф.Листа, балета И.Ф.Стравинского. Опера С.И.Танеева «Орестея» также написана на сюжет древнегреческой трагедии.

Музыкальная культура западно-европейского средневековья развивалась приблизительно с IX в. до XIVв. на фоне напряженных исторических перемен. Этот период характеризуется постепенным разложением феодального строя, крестовыми походами, соперничеством церкви и властью королей и феодалов.

Основа музыкального быта этого времени — искусство странствующих артистов, которые были универсальными мастерами: умели сочинять песни, веселые и поучительные сценки, владели цирковыми навыками, играли на всевозможных инструментах — на лютне, средневековой арфе, волынке, на смычковых (ребек, фидель) и на ударных инструментах, на колесной лире и на маленьком переносном органе-портативе. Во Франции такого мастера называли жонглером и менестрелем, в странах немецкого языка — шпильманом, гауклером, в Испании — хогларом, в Сербии — играчом, в Чехии — герецом, на Руси — скоморохом и т.д. Они были обязательными участниками всех крупных событий, будь то календарный праздник, свадьба, торжественный въезд в город его покровителя-суверена, ярмарка, ликование по случаю военной победы, пиршество, коронация и т.д.

В зависимости от обычаев и характера церемоний горожанам предлагались различные зрелища, сопровождавшиеся пением и игрой на инструментах: танец, пантомима, театрализованные истории и легенды, танцы на канате, акробатика, трюки с дрессированными животными. Но на первом месте здесь, безусловно, была музыка.

С IX века начинают записывать музыку специальными нотными знаками на пергаменте. Большинство из ранних нотных записей — одноголосные церковные песнопения, исполнявшиеся хором в унисон или солистами. Это так называемый григорианский хорал (по имени папы римского Григория I, которому легенда приписывает утверждение этого певческого жанра). Вскоре появляются записи образцов светского музыкального искусства. Это песни трубадуров — талантливых провансальских поэтов XI – XIV вв. и их собратьев в северной Франции — труверов, в Германии — миннезингеров. Они воспевали прекрасную даму, рассказывали о словесных состязаниях рыцарей, желавших как можно изящнее воздать хвалу своей госпоже.

К IX - X вв. относятся и первые записи полифонических произведений. Прекрасные двухголосные пьесы — органумы с узорчатой парящей мелодией верхнего голоса создали мастера из южнофранцузского монастыря Сен-Марсьяль (конец XI — 1-я половина XII в.). Позднее выдвинулись парижские мастера из собора Нотр-Дам (XII — XIII вв.), а также авторы так называемой рукописи — большого сборника трехголосных пьес — мотетов (XIII в.). Отныне мотет стал распространенным музыкальным жанром на протяжении нескольких столетий.

На этой полифонической основе и на песнях трубадуров и труверов складывалось и творчество композиторов последнего периода средневековья. Они оставили образцы полифонических песен различных жанров и форм: рондо, баллады, виреле, мадригалы. Этот период получил в истории название «Арс нова» («Новое искусство»). Выдающимися мастерами «Нового искусства» были итальянский композитор Франческо Ладино, французский поэт и композитор Гильом де Машо. Творчество де Машо, Ландино и их современников открыло путь следующему этапу — музыке эпохи Возраждения.

Возрождение, или Ренессанс, - период в истории Западной и Центральной Европы, охватывающий примерно XIV — XVI вв. свое название это период получил в связи с возрождением интереса к античному искусству, ставшему идеалом для деятелей искусства нового времени. Композиторы и теоретики — Й.Тинкторис, Дж. Царлино и другие — изучали древнегреческие музыкальные трактаты; в произведениях Ж.Депре, которого сравнивали с Мекеланжело.

Небывалого расцвета достигли изобразительное искусство, архитектрура, литература, музыка. Музыка постепенно отходит от норм средневекового канона, индивидуализируется стиль, впервые появляется само понятие «композитор». Изменяется фактура произведений, число голосов увеличивается до четырех, шести и более. В гармонии господствует консонирующие созвучия, употребление диссонансов строго ограничивается специальными правилами. Складывается мажорный и минорный лады и тактовая система ритмики, характерные для более поздней музыки.

Музыка эпохи Возрождения развивалась в двух направлениях - церковном и светском. Основные жанры церковной музыки — месса и мотет — многоголосные полифонические произведения для хора без сопровождения и или в сопровождении инструментального ансамбля. Из инструментов предпочтение отдавалось — органу.

Развитию светской музыки способствовал рост любительского музицирования. Появились первые концертирующие исполнители-виртуозы на лютне, клавесине, органе, виоле, различных видах продольных флейт.

В эпоху Возрождения формируются национальные музыкальные школы. Самая крупная из них — нидерландская полифоническая школа. Ее представители — Г.Дюфаи, Й.Окегем, Я.Обрехт, Ж.Депре, О.Ласса. Среди других национальных школ — итальянская (Дж.П.Палестрина), испанская (Т.Л.де Виктория), английская (У.Берд), немецкая (Л.Зенфль).

Эпоха Возрождения завершается появлением новых музыкальных жанров: сольной песни, оратории, оперы, подлинный расцвет которых наступает в последующем столетии.

Конспект для 3 класса: Содержание музыкальных произведений. Выразительные средства музыки.

СОДЕРЖАНИЕ МУЗЫКАЛЬНЫХ ПРОИЗВЕДЕНИЙ

В произведениях искусства человек рассказывает об окружающей среде. Как поэзия и живопись музыка помогает нам нарисовать картину природы, передать движение поезда или веселый шум толпы, а так же настроение людей, их чувства и переживания с помощью музыкальных звуков.

Содержание песни, романса, хора легко пересказать, так как музыка звучит вместе со словами. В опере и балете на сцене театра происходят события, которые можно увидеть. Но произведения, написанные для отдельных инструментов или оркестра, содержание раскрывается только в музыкальных звуках. Его нельзя увидеть, трудно пересказать, но можно почувствовать.

Иногда композитор дает инструментальной пьесе название и тем самым поясняет ее содержание, например «Новая кукла» Чайковского.

Немало народных песен и произведений великих композиторов посвящено событиям исторического прошлого - борьбе народа с врагами родины, борьбе против угнетателей. Опера «Иван Сусанин» Глинки повествует о силе, мужестве и патриотизме русского народа, защищавшего родину от польских захватчиков в 1612 года, и о подвиге костромского крестьянина Ивана Сусанина. Он завел вражеский отряд в непроходимую лесную чащу и погиб там как герой.

Композиторы в музыке передавали и картины древнего народного быта. Под впечатлением сцен деревенской жизни М.И. Глинка сочинил для оркестра фантазию «Камаринская».

Главным источником для написания музыкальных произведений являются произведения литературы и народное творчество. Многие оперы и симфонические произведения, романсы и песни заимствуют свое содержание из произведений Пушкина, Лермонтова, Гоголя и других классиков литературы. Народным сказанием навеяна пьеса Лядова для оркестра «Кикимора». Композитор создал в ней сказочный образ злого, коварного существа.

Большое место в музыке занимают образы природы. Ее звуковые картины можно сравнить с пейзажами живописцев.

Так, ярко и образно, музыка может поведать о том, чем живут люди, что их волнует. В отличие от других видов искусства содержание музыкальных произведений раскрывается своим особым – музыкальным - языком. И знание выразительных средств музыки, составляющих ее язык, поможет глубже понять музыкальное искусство.

ВЫРАЗИТЕЛЬНЫЕ СРЕДСТВА МУЗЫКИ

Богаты и разнообразны выразительные средства музыки. Если художник в рисунке и красках, скульптор в дереве или мраморе, а писатель и поэт в словах воссоздают картины окружающей жизни, то композиторы делают это с помощью музыкальных звуков.

Выразительные средства музыки – это средства, которыми пользуется композитор для воплощения своего замысла.

МЕЛОДИЯ (с греческого напев, пение) – это музыкальные звуки, выражающие музыкальную мысль. Жизнь мелодии похожа на жизнь цветка. Цветок рождается из бутона, расцветает и, наконец, увядает. Коротка жизнь цветка, но жизнь мелодии еще короче. Она длится минуты, а то и секунды. Но за это короткое время она успевает возникнуть из мотива, «расцвести» и завершиться. В каждой мелодии есть точка цветения, высшая точка развития. Она называется кульминация. Завершается мелодия кадансом – устойчивым оборотом.

Нетрудно заметить, что строение мелодии похоже на строение речи.

Мотив - маленькая частица мелодии, состоит из нескольких звуков.

Фраза - состоит из нескольких мотивов, исполняется на одном дыхании.

Предложение - состоит из фраз, связанных общей линией развития.

Мелодия бывает не только напевной, как в песне. Взволнованная речь, героический призыв, настойчивый вопрос, также может быть переданы в ней.

Кантилена (с итальянского «пение»)- это напевная, певучая мелодия.

Речитатив (с латинского «чтение вслух»)- это полупение, полуразговор.

Еще одно понятие, с которым мы встречаемся в жизни, тесно связано с музыкой. Есть одно хорошее слово – ЛАД. Хорошо, когда дело ладится, когда в семье ладят, когда платье сидит ладно. Недаром лад – это согласие, мир, стройность, порядок между звуками, среди которых один звук является как бы опорой. Такие звуки и называются опорными, а другие звуки в ладу как бы тяготеют к этому опорному, или устойчивому, звуку - они называются неустойчивыми звуками лада. В древности существовало множество различных ладов. В европейской музыке наиболее распространенные лады – мажор (в переводе с латинского обозначает «большой») и минор – «меньший». Мажор создает радостное, бодрое настроение, а минор навевает печаль, даже тоску. Из звуков лада образуется звукоряд - это ряд последовательных музыкальных «ступенек» - звуков, которые начинаются непременно с опорного звука. Всего таких ступенек в ладу 7, и называются эти ступеньки гаммой. Тональность – высота лада.

А что же такое ноты и кто их придумал? В Древней Греции музыку записывали при помощи букв алфавита. А в церковной музыке система записи песнопений называлась невма. Слово это означает «мимический жест» или «кивок головы».

Невмами записывали только вокальную музыку. Певцы часто путались, глядя в неразборчивые звуки; так продолжалось до тех пор, пока не придумали нотоносец, или нотный стан – 5 горизонтальных линеечек, на которых разместились нотные знаки. Произошло это в начале 6 века. Тогда итальянский монах Гвидо д’ Ареццо – Гвидо Аретинский (992 – 1050), музыкант и учитель пения из города Ареццо – нарисовал те самые первые линеечки. Правда, с начало линеечек было не 5 , а 4 , и все они были разного цвета. Зато теперь у каждого музыкального знака – ноты появилась уже графически зафиксированная высота. Такие знаки – символы стали называться не невмами, а нотами. Ноты с латинского означает «записывание, обозначение» как на самих линиях, так и между ними. Ноты похожи на маленькие головки – овалы.

Ноты нужно было как – то называть. Чтобы легче было запомнить названия звуков, Гвидо велел своим ученикам – хористам разучить молитву. Для этой молитвы Гвидо сочинил

новую мелодию, в которой каждая последующая стихотворная строчка начиналась на ступень выше предыдущей. А каждый первый слог новой строчки стал названием новой ноты. Вот и получили ноты свое первое название: Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La - по, начальным слогам первых 6 слов молитвы. Со временем слог Ut заменили на слог До, а также появилось название еще для одного звука – ноты - Si. Так появился единственный на земле международный язык – язык нот, который ныне понимают все музыканты мира: ДО – РЕ – МИ – ФА – СОЛЬ – ЛЯ – СИ.

Но на 5 линиях умещаются звуки только средней высоты, расположенные, например, в самом центре фортепианной клавиатуры. А если надо обозначить звуки очень высокие или низкие? Для записи таких звуков были придуманы музыкальные ключи - знаки, которые ставятся в начале нотного стана и обозначают высоту звучания музыки. В разных музыкальных ключах одна и та же нота звучит по-разному. Самые главные музыкальные ключи – скрипичный и басовый.

ГАРМОНИЯ

В мелодии звуки следуют друг за другом. Если сыграть несколько звуков одновременно, то получится созвучие – аккорд.

Аккорды сопровождающие мелодию называется - гармонией. Это слово греческого происхождения, которое означает «стройность», «пропорциональность», «созвучность».

РИТМ

Еще одним важным средством музыкальный выразительности является ритм. Ритм является одной первооснов жизни. Он существует повсюду. Ритмично чередуются времена года, месяцы, недели, дни и ночи. Ритмично тикают часы, стучат колеса в поезде, бьется пульс человеческого сердца. Ритм обнаруживается повсюду в окружающем нас мире. Ритм – в переводе с греческого языка означает « стройный», «соразмерный». И называют ритмом только упорядоченное чередование звуков, чаще всего разной длительности. Например, если спеть любую мелодию, то можно увидеть, как длинные звуки сменяют короткие. К выразительным возможностям ритма композиторы обращаются при создании образов движения – шага, бега, скачков, прыжков, полета.

РЕГИСТР

Известно, что музыкальный звукоряд насчитывает около ста различных по высоте звуков. Звуки бывают «тоненькие» - например, так звучит маленькая кофейная чашечка. Эти «тоненькие» звуки принято называть высокими. А про «толстые» звуки говорят, что они низкие.
Расстояние от самого низкого звука инструмента или голоса до самого высокого называется диапазоном. Это слово произошло от греческого dia pason и означает «через все», т.е. в музыке – через все звуки. Разные отрезки диапазона называют регистрами (с латинского «список», «перечень»).

Существуют 3 регистра:

Высокий – светлый, прозрачный, звонкий.
Средний – мягкий, полнозвучный, близок человеческому голосу.
Низкий – мрачный, тяжелый грубый.

ТЕМБР

Каждый инструмент, как и голос человека, имеет свою особую окраску, т. е. тембр. Тембр в музыке играет туже роль, что и краски в изобразительном искусстве. Тембр звука позволяет различать голоса разных людей, игру на различных инструментах. Тембр - свойство, которым обладает каждый звук даже не музыкальный. Слово это произошло от французского, что означает колокольчик, а также метка, т. е. отличительный знак. Другими словами, тембр - это отличительный знак звука, особое его качество, звуковая окраска.

Выразительность голоса певца прежде всего зависит от красоты тембра. Богатство красок человеческого голоса - ярко выразительное средство в вокальной музыке. Певцы хора по характеру голосов разделяются на партии.

Женские голоса – это сопрано и альты (или меццо- сопрано), контральто.

Мужские голоса – тенор, баритон и бас.

Детские певческие голоса делятся на сопрано и альт, а самый высокий голос в хоре мальчиков называют дискантом.

Очень характерны и тембры музыкальных инструментов. У скрипки – струнного смычкового инструмента – тембр мягкий, нежный, богатый оттенок. По выразительности он, как и тембр виолончели, близок человеческому голосу. У трубы же – духового инструмента – тембр яркий, резкий. Она звучит мужественно, призывно, как героический клич.

Тембр – (от французского «колокольчик», «метка») - это звуковая окраска .

ТЕМП

Термин ТЕМП всем понятен – это скорость, с какой исполняется произведение. Слово «темп» происходит от латинского «время». От темпа зависят и характер и настроение пьесы. Колыбельная не может исполняться в быстром темпе, а галоп в медленном. В музыке различные виды темпа принято называть по-итальянски. Если в нотах написано «адажио» (adagio), то это значит «медленно»;

«анданте» ( andante) – «не спеша»;
«аллегро» (allegro) – «скоро»;

«виво» (vivo или vivace ),- «живо», и так далее.

Но какую скорость взять за точку отсчета различных темпов? Как оказалось, больше всего подходит биение пульса человека. Средние по скорости музыкальные темпы приближаются к нормальному, спокойному пульсу: это темп модерато (moderato) – «умеренно», или «размеренно», и анданте – «не спеша».

ДИНАМИКА

Конечно, темп – важное средство выразительности в музыке, от которого многое зависит. Не менее важна ДИНАМИКА исполнения, т. е. сила звучания. Наверняка вы обращали внимание на то, что во время исполнения музыканты играют то громко, то тихо. Это происходит не потому, что так хочется музыканту. Так задумал композитор и указал, при помощи каких динамических оттенков можно раскрыть его замысел. Основных динамических оттенков 2, и вы их отлично знаете: форте – громко и пиано – тихо. В нотах их записывают итальянскими буквами: f и p . Иногда эти оттенки усиливаются. Например, очень громко – ff (фортиссимо) или очень тихо – pp (пианиссимо). Чтобы указать на постепенное усиление или уменьшение звучания, используют обозначения cresc. и dim. – это начальные буквы итальянских слов крещендо – усиление и диминуэндо – ослабление.